TitoLucrezio

Una passione fotografica
immagini da 8 anni di mostre

dal 18 ottobre al 12 gennaio 2014

Fare una mostra è cercare amici e alleati per la battaglia.
Edouard Manet, 1867
Giovedì 17 ottobre alle 18.30 inaugura, presso Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra Una passione fotografica. Immagini da 8 anni di mostre.

Il pioniere è stato Hippolyte Bayard che a Parigi, nell’estate del 1839, prima ancora che la fotografia avesse la sua investitura ufficiale, pensò di sistemare le sue migliori immagini in una sala pubblica: era nata la prima mostra fotografica. Ed era nata con un’intenzione chiara ed esplicita: mostrare, indicare, convincere. Del resto, si organizzano mostre per affermare, sensibilizzare, imporre un’idea, proporre uno stile, voltar pagina. Insomma, come diceva Manet, per partire in battaglia.

Senza voler fare paragoni troppo impegnativi, anche la Fondazione Forma per la Fotografia, nella sede di piazza Tito Lucrezio Caro a Milano, ha presentato dal 2005 un programma fitto e ininterrotto di mostre fotografiche. Grandi autori, giovani promesse, retrospettive celebri e percorsi a volte azzardati: tutto per mostrare la forza e la potenzialità della fotografia, per indicare le sue strade e i suoi diversi stili e per convincere di quanto la fotografia sia un linguaggio della contemporaneità. Della nostra vita e del nostro futuro.

Una passione fotografica vuole ripercorrere proprio questi anni e questo impegno per e nella città di Milano. Attraverso alcune delle opere esposte nel tempo, accompagnate dai volumi, gli inviti e la memorabilia che ogni allestimento porta con sé, si ricostruisce il senso di una presenza e il valore di un lavoro – nutrito, appunto, da vera passione fotografica.

Opere di : Richard Avedon, Piergiorgio Branzi, Gianni Berengo Gardin, Robert Capa, Stefano Cerio, Lorenzo Cicconi Massi, Elliott Erwitt, Maurizio Galimberti, Mario Giacomelli, Mimmo Jodice, William Klein, Wendy Sue Lamm, Jacques Henri Lartigue, Saul Leiter, LIFE, Martial, Nino Migliori, Erwin Olaf, Martin Parr, Marco Pesaresi, PREMIO F, Martin Schoeller, Massimo Siragusa, Phil Stern, Paolo Ventura, Albert Watson, WOMEN CHANGING INDIA, Andrew Zuckerman.

Fare una mostra è cercare amici e alleati per la battaglia, ha scritto Edouard Manet nel 1867. E in effetti, si organizzano mostre per convincere, per sensibilizzare, per imporre un’idea, proporre uno stile, per voltar pagina. Insomma, e come diceva Manet, per partire in battaglia. Anche la fotografia non sfugge a questa regola. Anzi, sembra forse che l’aforisma di Manet sia stato composto proprio pensando alla fotografia – e chissà se poi in fondo non sia stato veramente così.

TROMPE L’OEIL

I veri inganni della fotografia
Video e fotografie a cura di Forma e NABA

Giovedì 27 giugno alle ore 18:30 inaugura presso la Fondazione Forma per la Fotografia la mostra collettiva TROMPE L’OEIL: i veri inganni della fotografia. A cura di Luca Andreoni e Francesco Zanot, l’esposizione raccoglie i lavori di 32 studenti del Master in Photography and Visual Design organizzato da Forma e NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, e del Biennio in Design della Comunicazione di NABA.

Nella storia dell’arte, il trompe l’œil è un genere pittorico volto a suscitare nello spettatore la presunzione della tridimensionalità di oggetti dipinti su una superficie a due dimensioni.
Attraverso la forza dell’illusione, mette in dubbio la nostra capacità di distinguere fra realtà e rappresentazione e, in questo senso, trova il suo compimento proprio oggi, molti secoli dopo la sua invenzione, nella fotografia.
Di fronte agli elementi architettonici della Camera Picta di Mantegna o alla cornice che introduce allo studio di San Gerolamo nel quadro di Antonello da Messina, infatti, ci troviamo nella stessa condizione che accompagna l’osservazione di qualsiasi fotografia: pur avendo l’impressione di stare di fronte alla realtà, siamo invece al cospetto di una sua immagine.
A partire da un utilizzo della fotografia in modalità e forme molto diverse, la mostra presenta una serie di immagini e video sul rapporto tra verità e finzione portando all’estremo il paradosso secondo cui, ancora oggi e nonostante le tecnologie digitali, la fotografia viene considerata una “prova di realtà” inconfutabile, oltre che una elaborazione personale di quella stessa realtà che dovrebbe documentare.
Come sia possibile questa duplice lettura, e quali siano le sue diverse implicazioni, è il tema di Trompe l’œil: un viaggio alle origini della nostra visione e della fiducia che attribuiamo alla macchina fotografica.
La mostra rimarrà aperta al pubblico dal 28 giugno all’1 settembre e presenta i lavori di Pedro Almeida, Elena Amici, Immacolata Cante, Alice Caracciolo, Antonio Cormano, Miryam Cuppone, Alessia D’Alessio, Matteo Damiani, Guadalupe Delgadillo, Silvia Di Frisco, Martina Garioni, Nicola Genchi, Elena Giandomenico, Kateryna Kovarzh, Simone Mantovani, Nicole Moserle, Marios Orphanos, Tommaso Passerini, Giuseppina Pellegrino, Lucia Pizzinato, Benedetta Pomini, Carolina Prieto, Luca Ravanelli, Leonard Regazzo, Simone Sacchetto, Lisa Salini, Camellia Tavassoli, Sofia Urzi, Cecilia Valsecchi, Yu Zhenghui, Chiara Zandonà, Alba Zari.

La mostra è realizzata con il sostegno di Roberta di Camerino, che a partire da una storica relazione con il mondo dell’arte ha fatto del trompe l’œil un fondamentale segno distintivo del marchio.

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“Those people who want to use a camera should have something in mind, there’s something they want to show, something they want to say”.
Gordon Parks

Mercoledì 24 aprile 2013 alle 18.30 inaugura, presso la Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra UNA STORIA AMERICANA, fotografie di Gordon Parks.

Gordon Parks è un narratore unico dell’America, in grado con il suo apparecchio fotografico e la sua capacità di comprendere e scavare dentro le pieghe della società, rivelare le ingiustizie e i soprusi, portare alla luce la storia di chi non aveva voce per gridare la propria storia.

Tra i fotografi più importanti del ventesimo secolo, dagli anni Quaranta fino alla sua morte, nel 2006, Parks ha raccontato al mondo, soprattutto attraverso le pagine della rivista Life, la difficoltà di esser nero in un mondo di bianchi, la segregazione, la povertà, i pregiudizi, ma anche i grandi interpreti del ventesimo secolo,  il mondo della moda e perfino le grandi personalità del mondo in pieno cambiamento, come Malcom X, Muhammed Ali e Martin Luther King.

Personalità eclettica come non mai (“Uomo del Rinascimento”, veniva chiamato già ai tempi della sua collaborazione con Life), oltre che fotografo Parks è stato regista, scrittore, musicista, poeta e se il suo lavoro sfugge a una semplice catalogazione, forse la chiave per comprenderlo al meglio è quella del narratore di professione, lo storyteller della tradizione orale che usa la sua stessa esperienza, vissuta e sofferta, per comporre le storie.

In tutta la sua carriera, Gordon Parks ha cercato di raccontare molte storie, illustrandole con immagini esemplari. Storie di gruppi di persone che lottano per sopravvivere, piccole comunità lontane dal mondo, personaggi alla deriva o già sotto i riflettori che però devono essere compresi meglio di quanto non accada.

Vere o verosimili, nate dai drammi profondi, vissute sulla sua stessa pelle di ex ragazzo nero condannato a morire prima di nascere o costruite nell’alchimia della pura finzione, le storie di Gordon Parks sono tutte autenticamente sentite, tutte raccontate come visioni genuine e nate dalla volontà di incidere sulla realtà, affermando attraverso il racconto per immagini la propria opinione e la necessità di gridarla forte al mondo.

La mostra di Forma è la prima grande retrospettiva europea dedicata la suo lavoro, alla sua profonda poesia, alla sua fotografia classica, potente e profondamente cinematografica.

La mostra a cura di Alessandra Mauro è accompagnata da un catalogo edito da Contrasto.

Gordon Parks. Una storia americana è un progetto realizzato dalla Gordon Parks Foundation di New York in collaborazione con Forma.

Con il contributo del Consolato Generale degli Stati Uniti d’America a Milano.

Gordon Parks. Nato nel 1912 a Fort Scott, in Kansas, tra povertà e segregazione, Gordon Parks è stato conquistato dalla potenza e dalla forza della fotografia vedendo le realizzazioni dei fotogiornalisti sulle principali riviste dell’epoca. Dopo aver acquistato una macchina fotografica al banco dei pegni nel 1937, impara a usarla da autodidatta e, poco tempo dopo, comincia (1941) a collaborare con il celebre gruppo della Farm Security Administration (F.S.A.), capitanato da Roy Striker.

Quando nel 1943 la F.S.A. chiude, Parks comincia la sua attività da freelance, alternando il lavoro per le riviste di moda (soprattutto Vogue) a progetti di fotogiornalismo e di impianto più sociale. Nel 1948, il suo reportage su una gang giovanile di Harlem conosce un grande successo e Parks diventa il primo fotografo e scrittore afroamericano di Life: per questa testata racconterà storie legate al razzismo, alla povertà, alla segregazione. Ma realizzerà anche intensi ritratti di scrittori, attori e traccerà le nuove, emergenti figure di leader neri, come Muhammed Alì, Malcolm X, Adam Clayton Powell, Jr. e Stokely Carmichael. Gordon Parks è stato anche scrittore, compositore di musica e nel 1969, è stato il primo regista afro-americano a dirigere un lungometraggio a Hollywood (The Learing Tree). Nel 1971, la sua seconda pellicola, Shaft ha conosciuto un grande successo.

Per oltre trenta anni, Parks è stato un infaticabile lavoratore, creativo ed energico, in grado di impegnarsi nelle tante storie che dovevano essere raccontate; nelle campagne civili che dovevano essere sostenute. Numerosi sono i riconoscimenti e i premi al suo lavoro, tra questi la National Medal of Arts statunitense, ricevuta nel 1988.

dal 25 aprile al 23 giugno 2013

PREMIO CARMIGNAC GESTION DI FOTOGIORNALISMO

Con questo premio Carmignac Gestion desidera sostenere ogni anno i fotogiornalisti che, attraverso la loro opera, sono in prima linea sui luoghi dell’evento e difendono i valori di coraggio, indipendenza, trasparenza e condivisione a noi cari.

Nel 2009 la Fondazione Carmignac Gestion ha creato il Premio Carmignac Gestion di fotogiornalismo, destinato a finanziare un progetto di reportage su un tema specifico di attualità. Dotato di una borsa di 50.000 euro, il premio si prefigge di promuovere il lavoro svolto in profondità sul campo da un fotogiornalista. Oltre al premio finanziario, la Fondazione Carmignac Gestion accompagna il vincitore nella diffusione del suo reportage con l’organizzazione di una mostra e la pubblicazione di un’opera monografica.

La Fondazione si impegna altresì ad acquistare quattro fotografie facenti parte del lavoro premiato. Una giuria composta da esperti dell’immagine e di questioni geopolitiche seleziona ogni anno un progetto. La scelta di come trattare il tema annuale spetta ai fotogiornalisti, i quali sono liberi di scegliere un’angolatura politica, economica, sociale o culturale.

L’approccio adottato deve inserirsi chiaramente in una tradizione umanista volta a interrogare il reale con sensibilità, rifiutare di cadere nella caricatura e nella tirannia dell’istantaneità, studiare il contesto e comprendere la situazione per presentare la realtà nella sua complessità.

Decidendo di sostenere una professione che risente di una grave crisi di finanziamenti, Carmignac Gestion ha voluto fornire a questi testimoni del mondo contemporaneo i mezzi necessari per andare là dove gli altri non vanno. In armonia con i valori che animano i suoi collaboratori, Carmignac Gestion vuole difendere uno sguardo personale e impegnato, per definizione minoritario e, per questo stesso motivo, indispensabile.

Nathalie Gallon

Direttore, Carmignac Gestion photojournalism Award

Curatore della collezione fotografica

ngallon@carmignac.com

YOUR WOUNDS WILL BE NAMED SILENCE

Fotografie di Robin Hammond

Mercoledì 24 aprile 2013 alle 18.30 inaugura, presso Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra YOUR WOUNDS WILL BE NAMED SILENCE di Robin Hammond.

“Their suffering, in generations to come, their collective wounds, will be named silence.”

 da “A poem for Zimbabwe” di Chenjerai Hove.

Robin Hammond racconta in un intenso reportage la situazione odierna dello Zimbabwe.

Ex colonia britannica, nel 1980 il paese conquista l’indipendenza ma da allora quelli vissuti dalla popolazione locale, anziché anni di libertà, sono stati 33 anni di violento deterioramento causati dal regime della violenza imposto dal dittatore Robert Mugabe.

Robin Hammond ha visitato lo Zimbabwe per la prima volta come giornalista nel 2007, per poi tornarvi spesso nei cinque anni successivi. Ogni volta, ha lasciato il paese combattuto tra due opposti sentimenti, uno misto di sgomento e repulsione, l’altro, ugualmente forte, di profondo attaccamento per le sorti di un Paese in bilico.

Le sue immagini raccontano un Paese costellato da scheletri, quelli delle fabbriche un tempo funzionanti e delle case abbandonate o distrutte e quelli, ancora più agghiaccianti, dei corpi degli abitanti piegati dalle malattie e dalle privazioni. Attraverso le sue immagini incontriamo comunità fatte di vecchi e bambini, dove i giovani uomini sono stati uccisi o sono scappati all’estero. Attraverso i suoi occhi osserviamo la paura e il dolore di un Paese e la sconfitta di quella che avrebbe potuto essere una grande nazione africana.

“Lo Zimbabwe è ormai una terra caduta nell’oblio. Oggi, senza alcuna luce puntata sull’ombra nera dell’incessante tirannia di Robert Mugabe, l’oppressa popolazione di una delle più belle e indomabili nazioni africane, si sente, a ragione, abbandonata dal resto del mondo. Le modeste speranze degli abitanti dello Zimbabwe sono state divorate dalla malvagità e dalla cupidigia dei politici; ora la popolazione non ha più nessuno a cui rivolgersi e, contro le atrocità commesse dalla polizia e dai militari, nessuna forza per gridare aiuto dall’oscurità in cui è immersa. Attraverso il lavoro Your Wounds Will Be Named Silence il premiato fotoreporter Robin Hammond offre, con sguardo critico, la propria voce a questa generazione perduta di africani che lottano incessantemente con la morte a causa di malattie, povertà e disinteresse. Testimoniando la disperazione di una nazione, a rischio della propria vita e di quella dei collaboratori abbastanza coraggiosi da aiutarlo, il fotografo riporta sotto i riflettori una delle più importanti e durature emergenze africane, ponendola in uno spazio in cui nulla può ostacolare la libera espressione e la protesta, cosicché le voci dei perseguitati abitanti dello Zimbabwe possano venire di nuovo udite e ascoltate.”

Dan McDougall,

Corrispondente pluripremiato per l’Africa del The Sunday Times of London

La mostra ospitata a Forma raccoglie gli scatti più significativi di questo lavoro che si è aggiudicato il Premio Carmignac Gestion per il Fotogiornalismo 2011.

La mostra è a cura di Alessandra Mauro e Robin Hammond.

Robin Hammond è un fotoreporter nato in Nuova Zelanda 37 anni fa. Dal 2007 fa parte dell’agenzia fotografica Panos. Vincitore di quattro Amnesty International awards for Human Rights journalism, Robin ha dedicato la propria carriera alla documentazione dei diritti umani e dei problemi legati allo allo sviluppo in particolare dell’Africa sub-Sahariana.  Dopo aver trascorso alcuni anni tra Giappone, Gran Bretagna e Sud Africa, Robin Hammond attualmente vive a Parigi.

dal 25 aprile al 26 maggio 2013

Dal 1 marzo al 14 Aprile 2013

LITTLE BIG PRESS

TRAVELLING LIBRARY

mostra di volumi e libreria itinerante dedicata all’editoria fotografica indipendente e autoprodotta

a cura di 3/3

Little big press non è “solo” una mostra, è anche una biblioteca e una libreria itinerante dedicata all’editoria fotografica indipendente e autoprodotta.

Il progetto è nato con l’obiettivo di creare una rete che permetta di collegare fotografi, case editrici e pubblico, grazie alla possibilità di consultare una biblioteca che conta ormai più di 900 titoli (LBP travelling library) e l’opportunità  di acquistare quei volumi che spesso non sono raggiungibili nella grande distribuzione (LBP travelling bookshop).

Con una selezione di circa 80 titoli, la mostra di Forma è una straordinaria occasione per poter conoscere e sfogliare una parte del patrimonio conservato nella biblioteca. L’esposizione inoltre, vuole soprattutto essere lo stimolo per approfondire e valorizzare la realtà dell’editoria indipendente italiana e internazionale.

I libri presentati rispecchiano le linee principali degli ultimi due anni di produzione e sperimentazione attraverso un percorso che guida  il pubblico all’interno delle diverse forme del libro fotografico.

In occasione della mostra sarà possibile acquistare, presso la Libreria di Forma, una selezione di titoli del LBP travelling bookshop.

Un workshop inoltre approfondirà questi temi:

Fare un libro fotografico: dal progetto alla maquette

workshop a cura di 3/3

15, 16 e 17 marzo

Il workshop, formato da due intere giornate di lavoro e un pomeriggio introduttivo di presentazione dei lavori di 3/3 e degli studenti, ha come obiettivo la creazione di una prima maquette editoriale relativa a un progetto fotografico di ciascun partecipante.

Nel corso delle lezioni si prenderanno in esame le caratteristiche fondamentali del libro fotografico, dalla sua storia alla sua costruzione,  e si lavorerà sui processi di selezione, sequenza, editing, considerando tutti gli aspetti necessari alla progettazione della sua struttura, dalla grafica ai materiali alle dimensioni finali.

Il workshop, condotto da 3/3 (Chiara Capodici e Fiorenza Pinna) comprenderà alcuni momenti di osservazione e verifica dei progetti personali, accompagnati da valutazioni, esempi e indicazioni attraverso cui verrà sviluppato un percorso che condurrà dall’ideazione del concept allo sviluppo del progetto fino alla sua concreta realizzazione sottoforma di maquette.

Mercoledì 16 gennaio 2013 alle 18.30 inaugura, presso la Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra FASHION. Un secolo di straordinarie fotografie di moda dagli archivi Condé Nast.

“Dobbiamo fare di Vogue un Louvre” Edward Steichen a Edna Woodman Chase, anni ‘20

Le parole di Edward Steichen alla prima capo redattrice di Vogue America sono il miglior riassunto per spiegare la rivoluzione impressa da Condé Nast e dal suo gruppo di lavoro non solo alla moda ma nella fotografia in generale, quando nel 1909 acquista la prestigiosa testata di Vogue. Da ora in poi, raccontare la moda in immagini non vorrà solo dire delicate illustrazioni ottocentesche ma impiegare e dare spazio ai grandi autori della fotografia internazionali e alle loro libere interpretazioni.

Edward Steichen è stato uno dei primi grandi autori a scattare per Vogue, ad accettare la sfida e a non curarsi di chi lo accusava di essersi svenduto per la moda.

Da quei primi intrepidi passi, tante cose sono cambiate e ora la fotografia di moda non deve più dimostrare il suo valore ma grazie al talento e alla tecnica dei suoi rappresentanti, oggi è un linguaggio artistico di formidabile forza ed influenza visiva.

La mostra organizzata dalla Fondazione Forma, a cura di Nathalie Herschdorfer, raccoglie una straordinaria selezione di immagini provenienti dagli archivi Condé Nast di New York, Parigi, Londra e Milano e rappresenta una occasione unica per raccontare, attraverso opere preziose e rare, la storia della fotografia di moda, dalle sue origini fino ai giorni d’oggi.

La fotografia di moda è come una pièce teatrale dove per costruire l’immagine, insieme al fotografo giocano ruoli importanti i redattori, le modelle, i truccatori, gli stylist. Perché la fotografia di moda, terreno per antonomasia di sperimentazione, trova comunque la sua piena realizzazione sulla carta stampata ed è questo legame indissolubile tra fotografi e redazione che ha dato vita alle collaborazioni più creative, provocatorie, capaci di interpretare e soprattutto anticipare lo stile.

Da Cecil Beaton fino a Guy Bourdin, Peter Lindbergh e molti altri: la grande creatività della fotografia ha trovato nelle pagine delle riviste Condé Nast il terreno fertile per dare corpo ai sogni e visioni alla moda.

In mostra oltre agli scatti dei padri come Cecil Beaton, Man Ray, Edward Steichen, Horst P. Horst, quelli di Helmut Newton, Mario Testino, Paolo Roversi, Peter Lindbergh, Tim Walker, Erwin Blumenfeld, David Bailey, Guy Bourdin, Sølve Sundsbø e tanti altri.

FOTOGRAFIE DI:

James Abbé, Miles Aldridge, Diane Arbus, Antony Armstrong-Jones  (Lord Snowdon), Art Kane, David Bailey, Serge Balkin, André Barré, Michael Baumgarten, Cecil Beaton, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Henry Clarke, Clifford Coffin, Corinne Day, Baron Adolf De Meyer, Patrick Demarchelier, André Durst, Arthur Elgort, Hans Feurer, Toni Frissell, Arnold Genthe, Milton Greene, René Habermacher, Ben Hassett, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huené, Mikael Jansson, Constantin Joffé, Bill King, William Klein,  Barry Lategan, Peter Lindbergh, George Platt Lynes, Man Ray, Herbert Matter, Craig McDean,  Frances McLaughlin-Gill, Raymond Meier, Gjon Mili, Lee Miller, Sarah Moon, Ugo Mulas, Nickolas Muray, Helmut Newton, Norman Parkinson, Irving Penn, Denis Piel, John Rawlings, Terry Richardson, Herb Ritts, Paolo Roversi, Franco Rubartelli, Richard Rutledge, Satoshi Saïkusa, Daniel Sannwald, Jerry Schatzberg, David Seidner, Charles Sheeler, Edward Steichen, Bert Stern, Sølve Sundsbø, Mario Testino, Michael Thompson, Eric Traoré, Deborah Turbeville,  Inez Van Lamsweerde/Vinoodh Matadin,  Willy Vanderperre, Tony Viramontes, Chris von Wangenheim, Tim Walker, Albert Watson, Ben Watts, Bruce Weber.

La mostra è accompagnata da un libro-catalogo edito da Contrasto con la prefazione di  Todd Brandow, saggi di Nathalie Herschdorfer, Sylvie Lécailler, Olivier Saillard e un’intervista esclusiva con Franca Sozzani direttore di Vogue Italia.

La mostra è un progetto realizzato dalla (FEP), Foundation for the Exhibition of Photography, Minneapolis/Paris/Lausanne, in collaborazione con Forma.

dal 17 gennaio al 14 aprile 2013

Mercoledì 12 dicembre alle ore 18.30 inaugura, presso la Fondazione Forma di Milano, la mostra fotografica di Paola Gennari Santori, NEVER FORGET ALEPPO – Tracce, memorie e testimonianze. a cura di Ludovico Pratesi e in collaborazione con Oxfam Italia.

La mostra esplora la memoria, le tracce visibili e quelle più segrete di Aleppo, seconda città della Siria, patrimonio mondiale dell’umanità dell’Unesco, luogo dalla storia millenaria che fa parte dell’eredità storica e culturale universale, dove oggi si registrano i combattimenti più violenti di una guerra civile drammatica e devastante.

Luoghi e atmosfere di Aleppo vengono narrati secondo un itinerario visivo che – alla luce degli eventi attuali – si carica di ulteriori significati e mette in connessione il passato con un presente all’insegna dell’incertezza, carico dei rischi causati da un conflitto sanguinoso. Con il fine di mantenere alta l’attenzione sull’emergenza umanitaria in atto nel Paese, stimolando una riflessione su ciò che le vittime portano dentro di sé.  E il desiderio di provare ad aggiungere alle immagini il valore di una memoria che non si può cancellare.

“Mi sono allontanata dalla tradizionale rappresentazione dello spazio urbano – dice Paola Gennari Santori – e ho cercato di narrare il genius loci della città, i suoi spazi, le sue architetture, ma anche la magia dei ricordi, di tutto quello che può entrare nella borsa di una persona, allorché deve lasciare la sua casa e il suo paese.”

Curata da Ludovico Pratesi, la Mostra è realizzata in partnership con Oxfam Italia, che assiste i profughi siriani in Libano e in Giordania.

“Non possiamo riallacciare vincoli e rapporti personali che la guerra ha reciso, ma possiamo dare presente e speranza – dice Maurizia Iachino, presidente di Oxfam Italia, – Oxfam è stata fondata per prestare soccorso ai più vulnerabili durante le emergenze, ed è intervenuta immediatamente, di fronte a una crisi umanitaria come quella derivante dall’escalation della  guerra civile  in Siria, fornendo un aiuto concreto alle vittime in fuga nei paesi vicini. Siamo in grado di farlo perché negli anni abbiamo investito per aiutare le organizzazioni locali a rafforzare la propria capacità di rispondere alle emergenze, e proprio per questo possiamo dare speranza: perché, una volta che l’emergenza sarà finita, saremo al loro fianco nella ricostruzione”.

Interverranno Ludovico Pratesi, critico d’arte e curatore; Riccardo Bocco, professore di Sociologia Politica a Ginevra, esperto di Medio oriente; Marilù Lucrezio, giornalista redazione Esteri del TG1, inviata di guerra; Ilaria Lenzi, Oxfam Italia.

Le fotografie in Mostra verranno riprodotte in sole 7 copie ciascuna e donate da Paola Gennari Santori a Oxfam Italia. È possibile prenotare e acquisire attraverso una donazione minima di 700,00 € a favore di Oxfam Italia.

Il progetto Never Forget Aleppo è stato concepito da Alphabethic, il format ideato da Paola Gennari Santori e da Francesca Mangano, nato con l’obiettivo di narrare e analizzare concetti e temi attraverso una visione etica degli argomenti oggi più dibattuti dalla società civile. Per saperne di più www.alphabethic.it.

Paola Gennari Santori, romana, orientalista, attualmente si occupa di business ethics e filantropia a Milano.

dal 12 dicembre 2012 al 27 gennaio 2013

I MAESTRI DELLA FOTOGRAFIA FERDINANDO SCIANNA E NINO MIGLIORI INSIEME AD ANTONIO PASCALE CELEBRANO 140 ANNI DI AMORE PER LA TERRA DELLA FAMIGLIA POLLI

Dal 23 al 28 novembre a Milano sono in mostra gli scatti d’autore raccolti nel libro fotografico “Centoquarantanni d’amore per la terra”, realizzati per rendere omaggio all’italianità e al legame profondo tra il territorio e l’azienda toscana.

L’amore per la terra è il filo conduttore della storia della famiglia Polli che, da più di un secolo, porta in tavola il meglio della tradizione gastronomica italiana. Un forte legame con il territorio celebrato da due grandi maestri della fotografia internazionale del calibro di Ferdinando Scianna e Nino Migliori che, attraverso distinte ed intrecciate visioni, hanno creato una grande mostra fotografica. Venti inediti scatti d’autore, racchiusi all’interno del libro “Centoquarantanni di amore per la terra”, verranno esposti in anteprima il prossimo 22 novembre presso la Fondazione Forma di Milano –  in piazza Tito Lucrezio Caro, 1 – e daranno vita ad una straordinaria mostra, aperta al pubblico dal 23 al 25 e il 27 e il 28 Novembre.

“Abbiamo deciso di realizzare una mostra per rendere omaggio ai valori che da 140 anni contraddistinguono l’amore per la terra da parte dell’azienda Polli – afferma Manuela Polli – Per trasmette al meglio questi sentimenti, presentiamo degli scatti d’autore di due tra i più importanti maestri della fotografia come Ferdinando Scianna e Nino Migliori, il cui linguaggio fotografico è stato accompagnato dallo stile narrativo unico di Antonio Pascale.”

Un viaggio fotografico, condotto attraverso l’entusiasmo di Manuela, Claudia, e  Maddalena, le protagoniste della sesta generazione della famiglia Polli, immerse nei campi e nei luoghi tra i paesaggi della Toscana che in questi 140 anni hanno fatto la storia dell’Azienda a Monsummano Terme ; dai terreni dove vengono raccolti i frutti della terra allo stabilimento dove le materie prime vengono lavorate e confezionate con cura.

dal 23 al 29 novembre 2013

Mercoledì 7 novembre alle 18.30 inaugura, presso Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra THE WRONG SIDE. Living on the Mexican border di Jérôme Sessini.

Il lavoro realizzato da Jérôme Sessini si concentra sulla zona di confine tra Messico e Stati Uniti,  – tra Culiacan, Tijuana e specialmente Ciudad Juárez: le città più pericolose del paese, forse del mondo. Si tratta di una terra di nessuno in mano agli uomini del cartello della droga  dove si svolge una guerra logorante e lunghissima: quella per il controllo dello spaccio degli stupefacenti, costata la vita a 26.000 persone tra trafficanti, poliziotti e civili.

Per completare il suo lavoro, Sessini è tornato per ben otto volte in Messico, una terra certo difficile da raccontare. Ha fotografato prima le strade, le risse, gli omicidi, le scene del crimine. Poi è riuscito ad entrare nelle case di chi cerca di sopravvivere a una terra cattiva, di chi ormai è totalmente succube delle regole della droga.

Il risultato è una serie straordinaria di immagini, forti nella loro essenza, robuste nell’impianto visivo e dense nei contenuti: un grande esempio di fotogiornalismo.

La mostra di Forma presenta questo lavoro; un documento importante che testimonia lo stato del Messico, piombato in un vero conflitto civile dopo che il presidente Felipe Calderón ha dichiarato guerra ai narco-trafficanti nel dicembre 2006.

The Wrong side ha vinto l’ultima edizione del Premio F per il fotogiornalismo con queste motivazioni: “L’instancabile esplorazione che Jérôme Sessini fa della violenza legata alla droga ai confini tra il Messico e gli Stati Uniti è notevole per il suo intenso impegno in una realtà pericolosa e allarmante; per la sua attenzione ai particolari concreti e per la sua ambizione a comunicare lo scopo e la complessità del conflitto”.

La mostra è  accompagnata da un libro edito da Contrasto.

Jérôme Sessini scopre la fotografia documentaria americana attraverso alcuni libri di un amico. Inizia a scattare, a ritrarre persone, paesaggi e vita quotidiana dei luoghi dove era nato e cresciuto, tenendo sempre ben in mente gli insegnamenti di Diane Arbus, Lee Friedlander, Mark Cohen e Eugene Richards. Nel 1998 comincia la sua carriera da giornalista, e arriva a Parigi. L’agenzia Gamma gli offre l’opportunità di lavorare e di coprire il conflitto in Kosovo. Sessini da quel momento in poi è stato testimone dei principali eventi internazionali: la situazione palestinese, il conflitto in Iraq (dal 2003 al 2008), Haiti (2004), la conquista di Mogadishu da parte dei militanti Islamici e la guerra in Libano (2006). Il lavoro di Sessini ha ottenuto immediatamente fama internazionale. Le sue immagini sono state pubblicate da numerose riviste e quotidiani, tra cui ricordiamo Newsweek, Stern, Paris-Match, Le Monde e The Wall Street Journal. Ha riscosso grande successo durante le mostre al Visa Photo Festival di Perpignan, ai Rencontres d’Arles, alla Bibliothèque nationale François-Mitterrand e presso il Ministero della Cultura Francese. È membro di Magnum Photos da luglio 2012.

dal 7 novembre 2012 al 6 gennaio 2013

Nino Migliori

LA MATERIA DEI SOGNI

Installazioni, sperimentazioni, fotografie.

dal 19 ottobre 2012 al 6 gennaio 2013

Giovedì 18 ottobre alle 18.30 inaugura, presso la Fondazione Forma per la Fotografia, la mostra LA MATERIA DEI SOGNI – Installazioni, sperimentazioni, fotografie di Nino Migliori.

“Mi piace lasciare la strada vecchia per la nuova”

Nino Migliori

Nino Migliori sorprende chiunque decida di conoscere il senso e la mole del suo lavoro. Sorprende certo per la sua produzione, per la diversità dei progetti realizzati, per gli scarti continui di linguaggio che ha saputo imprimere alle sue ricerche. Ma la vera sorpresa risiede nell’assoluta coerenza che in tanti anni di lavoro ha saputo mantenere. Se le sue ricerche si intersecano e dialogano fra loro, il labirinto visivo costruito dal fotografo bolognese appare intricato ma allo stesso tempo lineare, perché tutto il suo lavoro – dalle sperimentazioni, alle immagini figurative, alle installazioni più ardite e nuove – si fonda su un unico, solo linguaggio da esplorare: la fotografia – la materia prima per creare i suoi sogni visivi.

Nino Migliori inizia a scattare alla fine degli anni Quaranta a Bologna: scopre un’Italia fatta di una nuova quotidianità che riprende con poesia e precisione. Sono gli anni del realismo e Migliori crea alcune tra le più celebri e significative immagini di questa stagione.

In questi stessi anni, comincia anche le sue sperimentazioni: nascono i “Muri”, i lavori “off-camera”; interviene sulle lastre e sulle pellicole con graffi e incisioni (cliché-verre), usa la luce di un fiammifero per impressionare i negativi (pirogrammi), disegna sulla carta fotografica con i liquidi di fissaggio e di sviluppo (ossidazioni). Sperimenterà con la polaroid, con materiali vari, giocando anche con l’oro e con il bronzo, e inventerà installazioni sorprendenti e innovative. In un incessante lavoro di esplorazione fotografica.

Fotografare, ha affermato, significa scegliere e trasformare. Nei suoi lavori la materia scelta si trasforma sempre in qualcosa d’altro. In un brandello di memoria per i posteri, in un interrogativo per i contemporanei. In una strada nuova da percorrere. Come le tante che Migliori ha percorso, e continua ancora a percorrere, nella sua ricerca.

La mostra di Forma è la prima grande retrospettiva dedicata a Nino Migliori e in un insieme di immagini celebri e di grandi inediti, presenta le fotografie realizzate negli anni Quaranta e Cinquanta, la serie dei Muri, le sperimentazioni off camera, le celebri polaroid, fino alle installazioni più recenti.

Dal 18 ottobre  al 4 novembre la retrospettiva sarà arricchita da una installazione presentata per la prima volta a Forma: Foto scattate e abbandonate.

Nino Migliori ha raccolto le stampe mai ritirate dagli studi fotografici, rullini fatti sviluppare ma dimenticati o forse volutamente rinnegati dai propri autori.

La mostra è a cura di Denis Curti e Alessandra Mauro ed è accompagnata da un catalogo edito da Contrasto.

Nino Migliori è nato a Bologna nel 1926 dove vive e lavora. La sua fotografia, dal 1948, svolge uno dei percorsi più diramati e interessanti della cultura d’immagine europea.

Oggi Migliori è considerato un vero architetto della visione. Ogni sua produzione è frutto di un progetto preciso sul potere della visione, tema, questo, che ha caratterizzato tutta la sua produzione.

Le sue opere sono conservate in importanti collezioni pubbliche e private, fra le quali Mambo – Bologna, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea – Torino, CSAC – Parma, Museo d’Arte Contemporanea Pecci – Prato, Galleria d’Arte Moderna – Roma, Calcografia Nazionale – Roma, MNAC Barcellona, Museum of Modern Art – New York; Museum of Fine Arts – Houston; Bibliothèque Nationale – Parigi, Museum of Fine Arts – Boston; Musée Reattu – Arles, SFMOMA – San Francisco.

Dopo il successo di Indepensense torna sulla scena milanese Giuseppe Mastromatteo, artista milanese di fama internazionale e direttore creativo esecutivo di Ogilvy&Mather.

A LIQUID VISION è il titolo della nuova mostra che aprirà ufficialmente il 2 ottobre alla Fondazione Forma per la Fotografia, un percorso tra i sensi e la sensualità, tra liquidità e trasparenza, purezza ed essenzialità, curato da Denis Curti, Vice presidente di Fondazione Forma, che riprende e fa convivere una selezione tra le opere delle ultime personali di Mastromatteo.

A LIQUID VISION vede la collaborazione di un partner che, proprio come Mastromatteo, è nel suo campo un simbolo dell’eccellenza italiana: Grappa Candolini, grappa leader in Italia prodotta e distribuita dalle Distillerie Branca.
Il binomio tra Candolini e il lavoro di Mastromatteo espresso in A Liquid Vision balza subito agli occhi:
trasparenza, sensualità, essenzialità delle forme sono alcuni dei tratti distintivi della Grappa Candolini che emergono chiaramente anche dalle opere di Mastromatteo.

“È stato evidente fin dall’inizio come i valori che stanno alla base del brand Candolini potessero sposarsi perfettamente con il progetto di Giuseppe Mastromatteo – afferma Niccolò Branca, Presidente e amministratore Delegato di Fratelli Branca Distillerie – Candolini è infatti la Grappa della seduzione italiana, che conquista per la sua purezza, la sua trasparenza e la sua autenticità. Le sue forme sono essenziali ed armoniose e i suoi colori sono il bianco, il nero e il rosso. La donna e la sua seduzione ne sono l’emblema. 
Tratti che ritroviamo tutti nelle opere di Giuseppe. Dopo la collaborazione con Lorenzo Mattotti, celebre illustratore che realizzò un’opera ispirata alla seduzione italiana, con questo progetto Candolini intende rinnovare ancora una volta la sua vicinanza al mondo dell’arte ed evidenziare in modo significativo e originale le caratteristiche essenziali del brand”.

E per celebrare questa importante partnership, Grappa Candolini ha deciso, in occasione delle festività, di fare un dono ai propri consumatori.
A partire da metà ottobre, infatti, nelle principali catene della grande distribuzione la Grappa delle Distillerie Branca regalerà una preziosa confezione con un’immagine tratta dalla mostra A Liquid Vision da collezionare, regalare, incorniciare. Ma non finisce qui. Infatti la mostra A Liquid Vision, dopo Fondazione Forma, continuerà da fine ottobre, con una selezione delle opere più significative, presso la Collezione Branca, nella storica sede delle Distillerie di via Resegone a Milano. La visita, che andrà a impreziosire ulteriormente il percorso all’interno del Museo Branca, sarà possibile su invito con prenotazione, telefonando al numero 02.8513970 o mail collezione@branca.it.

dal 3 al 14 ottobre 2012