Forma Meravigli

La prossima immagine

SULLA BASE DI QUANTO PREVISTO DAL DECRETO DELLA PRESIDENZA DEL
CONSIGLIO DEI MINISTRI IN VIGORE DAL 5 NOVEMBRE 2020,
GLI SPAZI DI FORMA MERAVIGLI SONO TEMPORANEAMENTE
AL PUBBLICO FINO A NUOVE DISPOSIZIONI

LA PROSSIMA IMMAGINE

Albumine del Fondo Antonetto e elaborazioni digitali di Bill Armstrong
per tornare a vedere il paesaggio

30 settembre – 18 dicembre 2020

Apre mercoledì 30 settembre 2020 alle ore 15 a Forma Meravigli, Milano, La prossima immagine, un progetto espositivo prodotto da Contrasto in collaborazione con Fondazione Forma per la Fotografia e Contrasto Galleria. La mostra, che resterà aperta fino al 18 dicembre, raccoglie e mette a confronto una serie di antiche e pregiate albumine dell’Ottocento, provenienti dal Fondo Antonetto di Fondazione Forma per la Fotografia, con le recenti, insolite, colorate elaborazioni digitali del fotografo americano Bill Armstrong.

Forma Meravigli è un’iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano Monza Brianza Lodi e Contrasto.

Lunedì dalle 14.00 alle 18.00
Da martedì a venerdì dalle 11.00 alle 18.00
Sabato e domenica chiuso

Ultimo ingresso 17.30

Ingresso libero e gratuito in linea con il contingentamento e le linee di sicurezza previste per l’emergenza Covid-19

Responsabile Ufficio Stampa e Comunicazione
Valentina Notarberardino
valentina.notarberardino@contrastobooks.com

Ufficio Stampa Forma
stampa@formafoto.it

Contrasto Galleria
Alessia Paladini
contrastogalleria@contrastobooks.com

Marco Gualazzini, Resilient

Resilient
Fotografie di Marco Gualazzini

“Non descriverò queste foto, non darò giudizi estetici. Il contenuto è così forte, totale, assoluto che li rende inutili, li supera. […] Le fotografie non si commentano, si assorbono, sempre, perché parlano un discorso scottante di rabbia e di amore.”

Domenico Quirico

L’esposizione a cura di Alessandra Mauro raccoglie circa quaranta fotografie che raccontano i reportage realizzati da Marco Gualazzini in Africa dal 2009 al 2018.

La resilienza è la capacità di un sistema di adattarsi al cambiamento; Marco Gualazzini nel suo lavoro cerca ditestimoniarein che modo il continente africano reagisca ai problemi e alle crisi che lo flagellano con una capacità di resilienza straordinaria e insieme drammatica. Le immagini in mostra sono il frutto di un lungo lavoro di quasi dieci anni che hanno portato l’autore ad esplorare l’Africa alla ricerca di storie e vicendeinedite. Storie che nessuno vorrebbe sentire.

È il caso delle sue immagini del Congo, paese piegato dalle credenze popolari e dal rapporto tra religione e stregoneria,dove chi soffre di malattie mentali viene tuttora considerato un indemoniato e lo stupro è usato come arma di guerra (ogni anno vengono stuprate 15.000 donne) o il Mali tormentato dalla guerra e dalleinfiltrazioni islamiste nell’Africa subsahariana.

Nei suoi reportage Gualazzini documenta le condizioni del Sudan del Sud e della Somalia, uno tra i paesi più pericolosi e meno accessibili per stranieri e giornalisti. Durante il suo ultimo viaggio, nel 2018, il fotografo ha testimoniato la grave crisi umanitaria in corso lungo il bacino del lago Ciad,dovuta alla desertificazione come conseguenza del cambiamento climatico.

Le immagini, di grande forza compositiva e impatto giornalistico, compongono un racconto fotografico straordinario e importante e ci regalano uno sguardo ravvicinato, partecipe e attento, sulla nostra realtà.

La mostra è accompagnata dal libro
omonimo edito da Contrasto.

Biografia
Nato a Parma nel 1976, Marco Gualazzini ha iniziato la sua carriera come fotografo nel 2004, con il quotidiano locale della sua città, La Gazzetta di Parma. I suoi lavori più recenti comprendono reportage sulla microfinanza in India, sulla libertà d’espressione in Myanmar, sulla discriminazione delle minoranze in Pakistan; negli ultimi anni ha coperto prevalentemente crisi umanitarie e conflitti in Africa. Ha ideato e ha partecipato alla realizzazione di un documentario per la RAI sul sistema delle caste in India, premiato per la “miglior fotografia” al Al- Jazeera International Documentary Film Festival, e ha diretto un documentario sul tema dello stupro come arma di guerra in Congo, e uno sul modello di accoglienza per i rifugiati in Uganda. I suoi lavori sono stati pubblicati con amplio spazio, su riviste nazionali e internazionali, tra cui CNN, M (Le Monde), DerSpiegel, The Sunday Times Magazine, Paris Match, The New York Times, Al- Jazeera, Geo, Time Magazine (Lightbox), Courrier International, Internazionale e L’Espresso tra gli altri. Resilient (Contrasto) è il suo primo libro.

Ferdinando Scianna, Istanti di luoghi

ISTANTI DI LUOGHI
Fotografie di Ferdinando Scianna

Ho sempre pensato che io faccio fotografie perché il mondo è lì, non che il mondo è lì perché io ne faccia fotografie.

Ferdinando Scianna

Per la prima volta dopo anni a Milano a Forma Meravigli una nuova grande mostra dedicata alle fotografie di Ferdinando Scianna, a cura di Alessandra Mauro.

In esposizione a Forma Meravigli una selezione di oltre 50 fotografie in bianco e nero dedicate al paesaggio con un racconto per immagini che abbraccia tutto il mondo: dalla sua Sicilia alla Costa D’Avorio, dalla Val Padana al Sudamerica dal cuore dell’Europa alla Russia.

Istanti di luoghi è come un album di famiglia raccolto da Ferdinando Scianna che per mezzo secolo ha usato l’obiettivo per guardare, incontrare e tentare di raccontare il mondo.

È impossibile racchiudere in un’unica definizione il percorso di Ferdinando Scianna, primo fotografo italiano membro della prestigiosa agenzia Magnum, non è tuttavia un fotogiornalista puro, né può essere considerato un ritrattista, un fotografo di moda o tantomeno un paesaggista.

Istanti di luoghi, mostra ma anche libro, è frutto di uno sguardo all’interno dell’immensa produzione fotografica di Ferdinando Scianna, dove le fotografie di paesaggio sono una presenza costante fin dai primi anni della sua carriera.

Sono i luoghi che ha incontrato durante la sua vita i protagonisti del suo lavoro, luoghi incontrati, non cercati, non monumenti o attrazioni turistiche, ma spazi dove il fotografo ha potuto riconoscersi siano essi vedute desertiche, la vista intima sul mare da una finestra aperta o lo scorcio di una metropoli.

La mostra di Forma Meravigli è arricchita da una sala dedicata ai libri di Ferdinando Scianna: Ritratto di un autore in 16 libri pubblicati (e alcuni mai realizzati).

Lo stesso autore ha affermato che il fare libri è da sempre l’obiettivo del suo fotografare, il pubblico avrà quindi la possibilità di scoprire la storia di alcuni dei titoli che hanno fatto la storia della fotografia italiana assieme all’occasione di poter vedere le maquette di alcuni mai pubblicati.

La mostra è accompagnata dal libro
“Istanti di luoghi” edito da Contrasto.

Ferdinando Scianna nasce a Bagheria in Sicilia, nel 1943. Comincia a fotografare negli anni ’60, mentre frequenta la facoltà di Lettere e Filosofia all’Università di Palermo. In questo periodo fotografa, in modo sistematico, la sua terra, la sua gente, le sue feste. Nel 1965 esce il volume Feste Religiose in Sicilia, con un saggio di Leonardo Sciascia: ha così inizio una lunga collaborazione e amicizia tra Scianna e lo scrittore siciliano. Pochi anni più tardi, nel 1967, si trasferisce a Milano, lavora per L’Europeo, e poi come corrispondente da Parigi, città in cui vivrà per dieci anni. Nel 1977 pubblica in Francia Les Siciliens (Denoel), con testi di Domenique Fernandez e Leonardo Sciascia, e in Italia La villa dei mostri, sempre con un’introduzione di Sciascia. A Parigi scrive per Le Monde Diplomatiquee La Quinzaine Litterairee soprattutto conosce Henri Cartier-Bresson, le cui opere lo avevano influenzato fin dalla gioventù. Il grande fotografo lo introdurrà nel 1982, come primo italiano, nella prestigiosa agenzia Magnum. Dal 1987 alterna al reportage la fotografia di moda riscuotendo un successo internazionale. È autore di numerosi libri fotografici e svolge da anni un’attività critica e giornalistica; ha pubblicato moltissimi articoli su temi relativi alla fotografia e alla comunicazione per immagini in generale. Gli ultimi libri pubblicati con Contrasto sono Ti mangio con gli occhi (2013), Visti&Scritti (2014), Obiettivo ambiguo (2015) e In gioco (2016).

L’allestimento della mostra

Il settimo uomo, omaggio a John Berger

John Berger e Jean Mohr

Il settimo uomo

Una narrazione di immagini e parole sull’esperienza dei lavoratori
migranti in Europa

Dal 23 febbraio al 26 marzo 2017 a Forma Meravigli un piccolo omaggio editoriale dedicato a John Berger con quaranta riproduzioni tratte dal suo libro Il Settimo uomo.

“Può succedere che un libro, a differenza dei suoi autori, ringiovanisca con il passare degli anni. Ho idea che sia successo a Il settimo uomo.”

Con queste parole John Berger apriva la prefazione alla nuova e riveduta edizione del libro pubblicato negli anni Settanta con il fotografo e amico Jean Mohr. Il settimo uomo non solo raccontava il movimento migratorio in Europa e le conseguenze sociali, economiche e di costume di quegli anni, ma con la sua impaginazione così particolare, curata nei minimi dettagli dagli stessi autori, di fatto rivoluzionò il modo di intendere l’editoria fotografica.

Come continua Berger, “Il settimo uomo vuole mostrare come, nel corso degli anni Sessanta del secolo scorso, l’economia delle nazioni ricche d’Europa fosse diventata dipendente dalla manodopera di varie nazioni più povere”.

Il mostrare cui si riferisce Berger è fatto di immagini; quelle che, in anni di lavoro, di libri, di film, di trasmissioni televisive, lui ci ha insegnato a guardare, a interrogarci sempre sulla loro realtà e la loro rappresentazione. “A un certo punto, avevamo pensato di girare un film ma (forse per fortuna) non riuscimmo a raccogliere il denaro necessario. Perciò stabilimmo di fare un libro di istanti (registrati attraverso immagini o parole) organizzandoli in capitoli simili a sequenze cinematografiche”.

La novità de Il settimo uomo è dunque proprio questa: l’argomento è svolto in una serie di capitoli che, come sequenze, si susseguono in altrettanti frame cinematografici, dove ogni doppia pagina presenta una nuova inquadratura, una nuova combinazione visiva, una possibilità inaspettata di senso nata, appunto, dal dialogo incessante tra la parola e la fotografia.

Alla fine, come dice lo stesso Berger, il libro non diventa più un trattato di sociologia “ma piuttosto un piccolo libro di storie, una sequenza di istanti vissuti. Proprio come quelli che si trovano in un album di fotografie di famiglia”.

Dunque, questo particolare libro, a metà tra un pamphlet sociologico o economico, un manifesto politico e un album di famiglia, ci mostra separazioni, incontri, riconciliazioni, drammi, matrimoni, ritorni, felicità e disperazioni. Ma senza nessun tipo di semplificazione e nessun intento consolatorio.

Proprio per questo, a tanti anni di distanza, il libro continua a essere un album vivo.

“Oggi – conclude Berger – il libro viene ripubblicato e troverà nuovi lettori. Tra loro ci saranno nuovi migranti che all’epoca della sua prima edizione non erano ancora nati. Per loro sarà facile vedere che cosa è cambiato e che cosa non è cambiato. E riconosceranno l’eroismo, il rispetto di sé e la disperazione dei protagonisti, che sarebbero potuti essere i loro genitori. Riconoscerli, li aiuterà a farsi forza nei momenti di panico, e, in altri momenti, accrescerà il loro indomabile coraggio”.

Il settimo uomo è edito da Contrasto.

John Berger (1926-2017) è noto in tutto il mondo come critico d’arte, poeta, giornalista, romanziere (ma l’autore, che non amava questo termine, preferiva definirsi storyteller), sceneggiatore cinematografico, autore teatrale e disegnatore. Tra le sue numerose opere narrative e saggistiche ricordiamo il fondamentale Questione di sguardi (il Saggiatore, 1998); il romanzo G., che nel 1972 gli valse il Booker Prize (Neri Pozza, 2012); la raccolta di saggi Sul disegnare (Libri Scheiwiller, 2007), lo studio Capire una fotografia (Contrasto, 2014) e i testi illustrati Il taccuino di Bento (con disegni dello stesso Berger, Neri Pozza, 2014) e Smoke (con Selçuk Demirel, il Saggiatore, 2016).

Jean Mohr, nato a Ginevra nel 1925, dopo gli studi in Economia e Scienze Sociali all’università di Ginevra e un corso di pittura all’Académie Julian di Parigi, si dedica alla fotografia professionale lavorando soprattutto con organizzazioni come l’UNHCR, la Croce Rossa, l’UNRWA e l’Organizzazione Internazionale del Lavoro. Ha realizzato numerosi libri di fotografia, tra cui Side by Side or Face to Face, un volume retrospettivo che raccoglie il suo lavoro sui rifugiati palestinesi. Tra i vari titoli di Jean Mohr ricordiamo: After the last Sky (1986), in collaborazione con l’intellettuale palestinese Edward Said, e At the Edge of the World (1999). Dalla collaborazione tra John Berger e Jean Mohr sono nati inoltre i saggi: A Fortunate Man: The Story of a Country Doctor (1967) e Another Way of Telling. A Possible Theory of Photography (1982).

Robert Frank, Municipio, Reno, Nevada, 1956

Robert Frank, Gli americani

Gli americani di Robert Frank

“Quella folle sensazione in America, quando il sole picchia forte sulle strade
e ti arriva la musica di un jukebox o quella di un funerale che passa.

È questo che ha catturato Robert Frank nelle formidabili foto
scattate durante il lungo viaggio attraverso qualcosa come
quarantotto stati su una vecchia macchina di seconda mano”.

Jack Kerouac

La mostra, con il patrocinio del Comune di Milano, è stata realizzata in collaborazione con la MEP, Maison Européenne de la Photographie di Parigi, e promossa da Forma Meravigli, un’iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano e Contrasto.

Per la prima volta in mostra a Milano 83 fotografie vintage; la serie completa del progetto fotografico che, a metà degli anni ’50, ha cambiato il modo di pensare al reportage; nelle sale di Forma Meravigli, l’America immortalata on the road dall’obiettivo del più grande fotografo vivente, Robert Frank.

È il 1955 quando il giovane Robert Frank ottiene una borsa di studio dalla Fondazione Guggenheim (Frank è stato il primo fotografo europeo a riceverla) per realizzare un lavoro fotografico che racconti l’America. L’autore percorrerà così tutto il paese, e tra il 1955 e il 1956 toccherà ben 48 stati diversi.

Le strade infinite, i volti delle persone, le piazze delle città, i bar e i negozi, i marciapiedi, i particolari più insignificanti vengono immortalati da Robert Frank che rivoluziona il linguaggio tradizionale del reportage realizzando ritratti sfuocati, mossi, fotografie dai tagli apparentemente casuali ma che in realtà, con cruda consapevolezza, traducono lo spirito dell’America dell’epoca.

Una ballata per immagini dedicata alla strada americana e alla sua nuova e sconsolata epopea; un reportage che, come pochi altri, ha veramente segnato un’epoca diventando per generazioni di fotografi il riferimento principale da cui partire per fotografare, per viaggiare, per conoscere con lo sguardo.

Il libro, che significativamente venne pubblicato per la prima volta in Francia e non in America, lo consacrerà definitivamente come maestro della storia della fotografia.

E proprio al libro, diventato un vero e proprio culto per generazioni di fotografi, verrà dedicata una sala all’interno del percorso espositivo di Forma Meravigli con la riproduzione dell’impaginato, stralci del testo introduttivo di Jack Kerouac e con alcune tra le edizioni pubblicate a partire dal 1958, compresa la prima edizione italiana del volume, che uscì in Italia con la copertina illustrata dal grande Saul Steinberg.

Negli anni Sessanta Robert Frank ha abbandonato la fotografia per dedicarsi al cinema. Nel 1994 ha donato gran parte del suo materiale artistico alla National Gallery of Art di Washington che ha poi creato la Robert Frank Collection. Personaggio di culto, è considerato tra i più importanti esponenti della storia della fotografia.

Accompagna l’esposizione il libro
omonimo pubblicato da Contrasto.

Robert Frank, nasce a Zurigo nel 1924. Nel 1947 si trasferirsce negli Stati Uniti dove lavora come fotografo di moda per Harper’s Bazaar. Parallelamente, lavora come reporter freelance. Viene a contatto con i principali esponenti della nuova generazione letteraria e artistica americana, soprattutto con gli esponenti della Beat Generation. È il primo fotografo europeo a ricevere la borsa di studio della Fondazione Guggenheim, grazie alla quale potrà realizzare The Americans nel ‘55 e ‘56. Nel 1959 insieme al pittore Alfred Leslie, dirige il suo primo film, “Pull My Daisy” che sarà considerato il padre del New American Cinema. Stringe una salda amicizia con lo scrittore Jack Kerouac, col quale porta a termine varie collaborazioni. Negli anni Sessanta, Frank abbandona la fotografia per dedicarsi completamente alla realizzazione di film. Nel 1994 dona gran parte del suo materiale artistico alla National Gallery of Art di Washington che crea la Robert Frank Collection; è la prima volta che accade per un artista vivente.

L’allestimento della mostra

Brienzersee, Svizzera, giugno 2014 © 2016, Teju Cole

Teju Cole, Punto d’ombra

Punto d’ombra
Fotografie di Teju Cole

A cura di Alessandra Mauro

28 aprile – 19 giugno 2016

Quando l’otturatore si chiude, il mondo si ferma in un’inquadratura.
Anche le parole vengono fissate dalla scrittura.
Siri Hustvedt
(dall’introduzione al libro Punto d’ombra di Teju Cole)

Punto d’ombra è stata la prima mostra fotografica di Teju Cole, scrittore americano di fama internazionale, fotografo e critico fotografico per The New York Times Magazine. Curata da Alessandra Mauro, l’esposizione ha presentato un’ampia selezione di immagini e parole dell’autore di origini nigeriane che, come le pagine di un diario visivo, accompagnano il visitatore nei suoi diversi viaggi e nelle sue peregrinazioni in giro per il mondo.

Con Punto d’ombra Teju Cole dà ulteriore prova della sua straordinaria capacità narrativa di meditare in modo preciso su temi evocativi come quello della memoria, e lo fa affidando stavolta il suo racconto non solo alle parole ma anche alle immagini, che scatta e realizza quotidianamente. Le settanta fotografie in mostra saranno quindi tutte accompagnate dai relativi testi d’autore.

Un dettaglio metropolitano, l’interno di un hotel, una persona qualunque, un albero: Teju Cole inizia a guardare e rappresentare la realtà in maniera diversa in seguito ad un periodo di semicecità a partire dal quale si pone una serie di riflessioni legate ai temi del “vedere”. Quelli precedentemente elencati sono solo alcuni dei soggetti immortalati nelle immagini di Cole, istantanee su cui di volta in volta l’autore stesso costruisce una riflessione, un ricordo o anche una piccola storia.

Punto d’ombra è un lavoro originale e coraggioso che combina la poetica fotografica di paesaggio con la prosa, lirica, allusiva e impegnata di Teju Cole.

La mostra è accompagnata dal libro Punto d’ombra, pubblicato da Contrasto per la collana In parole.

“Una strada non è solo la superficie asfaltata, i palazzi ai lati, le macchine veloci o lente, la gente intorno a te. È anche il modo in cui tutte quelle cose sono in relazione, come si compongono e ricompongono. Appena alcuni elementi si allontanano dal campo visivo, altri diventano visibili: tu ti muovi, le macchine si muovono, altre persone si muovono, persino il sole si sta muovendo lentamente, e in mezzo a tutto questo movimento multidimensionale devi decidere quando premere l’otturatore, decidere quale di questi istanti mutevoli è più interessante degli altri. Un secondo prima, non è ancora successo. Un secondo dopo, se ne è andato per sempre, irrecuperabile.” Teju Cole

Guarda il Booktrailer del libro

Teju Cole è l’autore di Città Aperta e Ogni giorno è per il ladro ed è il critico fotografico per The New York Times Magazine. Per il suo lavoro letterario ha vinto, tra le altre cose, il premio PEN/Hemingway Prize, il Windham Campbell, l’Internationaler Literaturpreis. Nato negli USA da genitori nigeriani, Teju Cole ha passato la sua infanzia in Nigeria per tornare negli Stati Uniti a 17 anni, dove tuttora vive, a New York.

Vivian Maier. Una fotografa ritrovata

VIVIAN MAIER

Una fotografa ritrovata

19 novembre 2015 – 31 gennaio 2016

La mostra, a cura di Anne Morin e Alessandra Mauro, è stata realizzata in collaborazione con diChroma Photography e promossa da Forma Meravigli, un’iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano e Contrasto.

La vita e l’opera di Vivian Maier sono circondate da un alone di mistero che ha contribuito ad accrescerne il fascino. Tata di mestiere, fotografa per vocazione, non abbandonava mai la macchina fotografica, scattando compulsivamente con la sua Rolleiflex. È il 2007 quando John Maloof, all’epoca agente immobiliare, acquista durante un’asta parte dell’archivio della Maier confiscato per un mancato pagamento. Capisce subito di aver trovato un tesoro prezioso e da quel momento non smetterà di cercare materiale riguardante questa misteriosa fotografa, arrivando ad archiviare oltre 150.000 negativi e 3.000 stampe.

La mostra presentata da Forma Meravigli ha raccolto 120 fotografie in bianco e nero realizzate tra gli anni Cinquanta e Sessanta insieme a una selezione di immagini a colori scattate negli anni Settanta, oltre ad alcuni filmati in super 8 che mostrano come Vivian Maier si avvicinasse ai suoi soggetti.

Figura imponente ma discreta, decisa e intransigente nei modi, Vivian Maier ritraeva le città dove aveva vissuto – New York e Chicago – con uno sguardo curioso, attratto da piccoli dettagli, dai particolari, dalle imperfezioni ma anche dai bambini, dagli anziani, dalla vita che le scorreva davanti agli occhi per strada, dalla città e i suoi abitanti in un momento di fervido cambiamento sociale e culturale. Immagini potenti, di una folgorante bellezza che rivelano una grande fotografa.

Le sue fotografie non sono mai state esposte né pubblicate mentre lei era in vita, la maggior parte dei suoi rullini non sono stati sviluppati, Vivian Maier sembrava fotografare per se stessa.

Osservando il suo corpus fotografico spicca la presenza di numerosi autoritratti, quasi un possibile lascito nei confronti di un pubblico con cui non ha mai voluto o potuto avere a che fare. Il suo sguardo austero, riflesso nelle vetrine, nelle pozzanghere, la sua lunga ombra che incombe sul soggetto della fotografia diventano un tramite per avvicinarsi a questa misteriosa fotografa.

Vivian Maier. Una fotografa ritrovata presenta al pubblico l’enigma di un’artista che in vita realizzò un enorme numero di immagini senza mai mostrarle a nessuno e che ha tentato di conservare come il bene più prezioso.

Come scrive Marvin Heifermann nell’introduzione al catalogo, “Seppur scattate decenni or sono, le fotografie di Vivian Maier hanno molto da dire sul nostro presente. E in maniera profonda e inaspettata… Maier si dedicò alla fotografia anima e corpo, la praticò con disciplina e usò questo linguaggio per dare struttura e senso alla propria vita conservando però gelosamente le immagini che realizzava senza parlarne, condividerle o utilizzarle per comunicare con il prossimo. Proprio come Maier, noi oggi non stiamo semplicemente esplorando il nostro rapporto col produrre immagini ma, attraverso la fotografia, definiamo noi stessi”.

Il libro Vivian Maier. Una fotografa ritrovata
edito da Contrasto accompagna la mostra.

“Posso immaginare come la sua macchina fotografica avrebbe potuto catturarmi: un’accigliata donna di mezza età dai capelli spettinati… Un’immagine molto simile a una delle mie preferite contenute in questo libro: una signora velata immortalata mentre si guarda alle spalle. Chi sei? Che vuoi da me? Eppure, sarei stata mai in grado di vedere Vivian Maier, di vederla veramente? Avrei riconosciuto l’artista all’opera o l’avrei ignorata allo stesso modo in cui io a volte mi sento ignorata. Chi sarà mai quella signora di mezza età così bizzarra? Chissà. Mi sembra innocua. Scatta delle fotografie che nessuno vedrà mai.” Laura Lippman

Guarda il video della mostra

L’allestimento della mostra

1. Foto di scena di Comizi d’amore. © Mario Dondero

La vera Italia? Due inchieste di Pier Paolo Pasolini

La vera Italia? Due inchieste
di Pier Paolo Pasolini

La lunga strada di sabbia – Comizi d’amore

Fotografie di Mario Dondero, Angelo Novi, Philippe Séclier

È il 1959 quando la rivista Successo pubblica il reportage realizzato da Pasolini come inviato speciale, percorrendo tutta la costa italiana da Nord a Sud al volante di una Fiat Millecento, La lunga strada di sabbia. Incontrati e narrati nel momento sospeso delle vacanze, gli italiani diventano i protagonisti di questo viaggio-inchiesta su un paese in cambiamento, tra il dopoguerra ormai alle spalle e il boom economico che sta per esplodere.

A quattro anni di distanza, nel 1963, Pier Paolo Pasolini realizza un’altra inchiesta, questa volta su gli italiani e la sessualità. Di nuovo, percorrerà la penisola, andrà sulle spiagge ma anche nei cortili di campagna, di fronte alle fabbriche e nelle strade delle città per interrogare la gente, giovani, vecchi, bambini, donne, su cosa sia l’amore, il esso e che importanza possa avere il cosiddetto comune senso del pudore. Il risultato è il film Comizi d’amore: una corale e lucida rappresentazione del nostro paese.

Nelle sale di Forma Meravigli, si alternano le fotografie di scena di Comizi d’amore, realizzate da Angelo Novi e Mario Dondero, e quelle che, a trent’anni di distanza da La lunga strada di sabbia, il fotografo francese Philippe Séclier ha scattato ripercorrendo le tracce dell’itinerario di Pasolini.

Accompagnate da lunghe citazioni dei due lavori, le immagini di Dondero, Novi e Séclier da un lato restituiscono al pubblico l’atmosfera, la sfrontatezza, il pudore e il metodo d’indagine di Pasolini; dall’altro testimoniano l’importanza di ripercorrere quella stessa strada, ritrovare le tracce di un’osservazione attenta e controcorrente e mantenere viva la memoria di un lavoro di scavo sull’Italia serio, profondo, opportuno e necessario come è stato quello di Pier Paolo Pasolini.

La mostra, a cura di Alessandra Mauro, è una coproduzione tra Fondazione Forma per la fotografia e la Cineteca di Bologna.

I libri, La lunga strada di sabbia e Comizi d’amore, editi da Contrasto, accompagnano la mostra.

Comizi d’amore
Fotografie di Mario Dondero e Angelo Novi

La lunga strada di sabbia
Fotografie di Philippe Séclier

L’allestimento della mostra

Il racconto onesto

IL RACCONTO ONESTO

Scrittori e fotografi italiani narrano il presente

24 aprile – 7 giugno 2015

A cura di Matteo Balduzzi, Alessandro Leogrande e Alessandra Mauro

Progetto allestitivo di Franco Achilli

Letteratura e fotografia si interrogano da sempre intorno al ”da dove veniamo” per capire “chi siamo”, attraverso vicende in cui pubblico e privato si intersecano in modi diversi, a seconda delle scelte di ciascun autore ma pur sempre su eventi, soggetti e contraddizioni che fanno parte del nostro orizzonte quotidiano.

Nata da un’idea e da un quesito di Goffredo Fofi, la mostra intreccia le testimonianze di scrittori e il lavoro di fotografi italiani impegnati, appunto, a raccontare in modo onesto, vero e nuovo, il nostro presente.

I contributi degli scrittori, chiamati a spiegare come si possa oggi vivere e interpretare il nostro tempo, si alternano alle immagini dei fotografi, ugualmente impegnati a raccontare il nostro paese, in un rimando di voci, visioni e argomenti che compone un insieme vario e incredibilmente vero dell’Italia.

Una straordinaria collezione di contributi, testuali e visivi. Ma anche per Forma Meravigli, una dichiarazione d’intenti sul valore, la centralità della testimonianza, fotografica e non. E, insieme, sull’importanza di dare spazio e respiro a nuovi racconti e nuove visioni.

La mostra è accompagnata dal libro
omonimo edito per la collana
“In parole” di Contrasto.

I contributi letterari in mostra:
Giulio Angioni, Franco Arminio, Silvia, Avallone, Silvia Ballestra, Maurizio Braucci, Alberto Capitta, Giuseppe Catozzella, Paolo Cognetti, Gioacchino Criaco, Paolo Di Stefano, Giorgio Falco, Antonio Ferracuti, Elena Ferrante, Giorgio Fontana, Vittorio Giacopini, Helena Janeczek, Nicola Lagioia, Alessandro Leogrande, Sepp Mall, Alessandro Mari, Raul Montanari, Aldo Nove, Antonio Pascale, Francesco Pecoraro, Roberto Saviano, Tiziano Scarpa, Igiaba Scego, Antonio Scurati, Walter Siti, Benedetta Tobagi, Stefano Valenti, Wu Ming 1

I progetti fotografici in mostra:
Tommaso Ausili – La città bianca; Nicolò De Giorgis – Hidden Islam; Emiliano Mancuso – Il diario di Felix; Giulio Piscitelli – From there to here; Alessandro Toscano – Sardinians postcards

Alessandro Toscano Sardinian Postcards

Sardinian Postcards è un progetto documentaristico nato nel 2011 con l’intenzione di riflettere sul paesaggio e sull’iconografia della Sardegna. Dopo anni di assenza, il fotografo ritorna nella sua terra d’origine e ne esplora il territorio e l’immaginario. La fotografia diventa lo strumento per una sorta di taccuino di un lungo viaggio nei propri luoghi. Il risultato è il ritratto di un’isola, non più mediato solo dall’immagine stereotipata fatta di spiagge, di feste tradizionali e di folklore ma capace di mostrare la faccia nascosta sul retro delle solite foto da cartolina.
Ogni scatto è, così, uno spunto visivo, un frammento di immaginario di un luogo complesso, troppo spesso raccontato come terra di promesse economiche, poi mai mantenute, o vissuto come terra di conquista per turisti di passaggio. Una dopo l’altra, le immagini costruiscono una narrazione intima e personale di una terra arcaica in silenzioso cambiamento, in cui si rispecchiano, accentuati, i contrasti del presente.

Alessandro Toscano si laurea in Scienze della Comunicazione specializzandosi in Etnografia e Antropologia Visuale. Durante gli studi si avvicina alla fotografia documentaristica e creativa. Nel 2009 fonda l’agenzia fotografica OnOff Picture, che dirige fino al 2013, collaborando con le principali riviste italiani e stranieri. Attualmente dedica la sua ricerca al paesaggio, integrando la sua attività con progetti laboratoriali di narrazione e documentazione partecipata attorno a temi sociali e ambientali.

Emiliano Mancuso Il diario di Felix

Felix è una casa famiglia di Roma, periferia sud-est, vicino a Tor Bella Monaca. Ospita sia minori del circuito penale che scontano misure alternative al carcere, sia minori civili: italiani con genitori ai quali è stata tolta la patria potestà, vittime di violenza o incuria stranieri arrivati in Italia senza genitori o parenti.
Emiliano Mancuso ha vissuto un anno accanto a loro: “Insieme abbiamo studiato, abbiamo parlato, siamo stati al mare o al parco divertimenti, abbiamo pianto e abbiamo riso. Mi aspettavo una storia di denuncia o un’inchiesta giornalistica e invece ho incontrato una piccola fiaba metropolitana sull’amicizia e sul diritto negato a un’adolescenza normale.

Emiliano Mancuso (1971- 2018) è stato fotografo e videomaker. Dopo gli studi in filosofia si è dedicato alla fotografia lavorando come fotogiornalista per testate internazionali come National Geographic, New York Times, The Guardian, Time e in Italia con L’Espresso. Nel 2009 entra a far parte dell’Agenzia Contrasto. Ha insegnato Reportage di foto e video presso l’Experimental Cinematography Center (National Film School), ed è stato direttore del Master in Fotogiornalismo contemporaneo presso le Officine Fotografiche Roma. Nel 2011 pubblica il libro Stato d’Italia e vince il Picture of the Year. Nel 2014 ha terminato il suo primo lungometraggio documentario, Il Diario di Felix, a cui seguirà qualche anno dopo Le cicale.

Tommaso Ausili La città bianca

Fino al 1992, quando il suo utilizzo è stato bandito per legge, l’Italia era il secondo paese produttore di amianto in Europa. A distanza di più di 20 anni i siti ancora da bonificare sono più di 34 mila, comprese case e scuole: decine di milioni le tonnellate da smaltire. Si stima che nel 2020 il numero delle vittime da amianto salirà a 30mila persone.
Il comune italiano più colpito è Casale Monferrato, dove l’Eternit, che produceva manufatti di cemento-amianto, aveva il suo più grande stabilimento in Europa. Il processo contro gli amministratori della società si è concluso con la sentenza della Cassazione che ha dichiarato prescritto il reato di disastro ambientale per il quale erano stati condannati a 18 anni di reclusione. Ancora in corso, invece, è il processo per il caso Isochimica di Avellino. In questa fabbrica, aperta nei primi anni ’80, per la scoibentazione delle carrozze ferroviarie, lavoravano 300 persone, tra cui molti giovani in cerca di impiego in un territorio appena devastato dal terremoto. L’amianto veniva lavorato a mani nude, senza protezioni. Almeno 20 mila tonnellate di amianto sarebbero seppellite nel piazzale della fabbrica. Oggi la metà degli ex lavoratori è malata, e nel territorio circostante si registra un significativo aumento di casi di tumore.

Tommaso Ausili (1970) comincia a occuparsi di fotografia dopo la laurea in giurisprudenza. Nel 2009 inizia il progetto The Hidden Death, sugli ultimi istanti di vita degli animali da macello con cui, nel 2010, vince il World Press Photo (3° Premio – Storie d’attualità) e l’iris d’or-Sony World Photography Awards Photographer of the Year 2010. Nel 2012 intraprende il progetto “La polvere sotto il tappeto”, un’indagine a lungo termine sull’inquinamento da amianto in Italia. Su questo tema, nello specifico il caso Eternit a Casale Monferrato, realizza il video multimediale The White Town. Il progetto viene selezionato per numerosi festival internazionali e, nel 2014, vince il premio “L’Anello Debole”.

Nicolò Degiorgis Hidden Islam

Hidden Islam, Islam nascosto, è un repertorio, una mappa, un’inchiesta sui luoghi di preghiera di fortuna, occasionali e improvvisati (ma a volte diventati pressoché stabili, in certi giorni e orari) che gli immigrati musulmani nel nordest italiano si sono creati, spesso in condizione di semi-clandestinità per le avversità del luogo in cui vivono. Nonostante l’Islam sia, come diffusione, la seconda religione in Italia, non è ufficialmente riconosciuta dallo Stato e in tutta la penisola è stata permessa, fino a oggi, la costruzione solo di otto moschee.

Dopo aver vissuto mesi con diverse comunità islamiche del nord-est, una delle zone del paese dove le politiche di immigrazione generano forti tensioni, Nicolò Degiorgis ha raccontato la proliferazione di questi luoghi di culto nella forma di vecchi capannoni, seminterrati, garage, supermercati, stadi e palestre; oppure in angoli di esterni, limitati e appartati tra edifici, passaggi, cortili, prati stretti tra un muro, una rete e una siepe, e vivacizzati da tappeti multicolori. Le sue immagini raccontano la determinazione di donne e uomini intenti a pregare, reclini verso la Mecca, a piedi nudi, visti di spalle, dall’alto, col volto nascosto, uomini e donne che tornano, così, a sentirsi parte di una comunità.

Nicolò Degiorgis vive a Bolzano. Ha studiato lingua cinese presso l’Università di Venezia, e si è trasferito poi a Hong Kong e a Pechino per continuare gli studi. Dopo un tirocinio presso Magnum Photos di Parigi, nel 2008 ottiene una borsa di studio presso Fabrica. Nel 2009 inizia a lavorare come ricercatore nel campo dell’immigrazione presso la Facoltà di Scienze Politiche dell’Università degli Studi di Trieste e contemporaneamente gli viene assegnata una residenza d’artista presso la Fondazione d’arte Bevilacqua La Masa di Venezia. Nello stesso anno entra a far parte dell’agenzia Contrasto e comincia a collaborare con le principali riviste internazionali. Gestisce la casa editrice indipendente Rorhof, è co-curatore della galleria foto-forum (Bolzano) e insegna fotografia in carcere e presso la Libera Università di Bolzano. Il suo libro Hidden Islam, pubblicato nel 2014, ha ricevuti numerosi premi.

Giulio Piscitelli From there to Here

Negli ultimi 10 anni l’Italia, braccio dell’Europa nel Mar Mediterraneo, è divenuta uno dei principali approdi per migliaia di immigrati che dalle coste del Nord Africa, tentano di raggiungere il continente europeo. Dagli anni ’80 nel Canale di Sicilia, tra Libia, Egitto, Tunisia e Italia si contano ormai a migliaia le vittime delle tragedie del mare; una delle più gravi è avvenuta nell’ottobre 2013 vicino alle coste dell’isola di Lampedusa, con il naufragio di oltre 300 immigrati di origine eritrea. All’inizio del 2011 Giulio Piscitelli, impegnato a raccontare il fenomeno migratorio verso l’Europa, si reca nella Tunisia del dopo Rivoluzione per documentare il campo profughi di Choucha. Lì conosce un trafficante di uomini e decide di imbarcarsi con i migranti tunisini per raccontare il loro viaggio in mare alla ricerca di una vita dignitosa. Le immagini documentano le lunghe attese prima della partenza (trascorse in appartamenti gestiti da bande mafiose locali che lucrano sul traffico di migranti), il tragitto in barca, l’arrivo a Lampedusa. Un arrivo, però, che non significa la fine del viaggio. A causa delle politiche di gestione dei flussi migratori, molti di coloro che arrivano sul territorio europeo vengono rimpatriati, rinchiusi in centri di detenzione o per richiedenti asilo, in attesa di ottenere i documenti temporanei per il soggiorno; una gestione che crea uno stato permanente di incertezza nel futuro, un limbo dal quale diviene sempre più difficile uscire.

Giulio Piscitelli (Napoli, 1981), dopo la laurea in sociologia, si avvicina alla fotografia nel 2008, iniziando a collaborare con agenzie di news italiane e straniere. Dal 2012 lavora come freelance, realizzando reportage legati all’attualità internazionale. Nel 2012 ha vinto una borsa della Magnum Foundation Emergency Fund per continuare a lavorare al progetto “From There to Here”, il suo lungo racconto sull’immigrazione in Italia e in Europa.

L’allestimento della mostra

Gianni Berengo Gardin, Come in uno specchio

FORMA MERAVIGLI RIAPRE CON LA MOSTRA

GIANNI BERENGO GARDIN

COME IN UNO SPECCHIO

Fotografie con testi d’autore

Mercoledì 20 maggio 2020

FORMA MERAVIGLI

Via Meravigli 5, Milano

Forma Meravigli riapre al pubblico mercoledì 20 maggio 2020 con la mostra COME IN UNO SPECCHIO. Fotografie con testi d’autore, di Gianni Berengo Gardin.
La mostra sarà visitabile dal mercoledì alla domenica, dalle 11 alle 20 fino a domenica 2 agosto 2020.

Gli spazi di Forma Meravigli sono stati predisposti in modo da consentire l’accesso dei visitatori in totale sicurezza, secondo le norme per la prevenzione e il controllo del Covid-19 nei luoghi di cultura.

È consigliato l’acquisto con prenotazione online del biglietto, che consente di scegliere la fascia oraria della visita, organizzando gli ingressi in sicurezza. La prenotazione è disponibile al link ticket.midaticket.it/spazioforma

Inoltre, la Print Room a cura di Contrasto Galleria offre una nuova opportunità per collezionisti, appassionati e per chi desidera visionare opere in vista di un possibile acquisto. Per garantire la massima sicurezza in questa fase e per offrire una visione esclusiva e personalizzata, l’accesso è su appuntamento scrivendo all’indirizzo: contrastogalleria@contrastobooks.com.

“Come in uno specchio. Fotografie con testi d’autore”, inaugurata lo scorso febbraio, è un omaggio a Gianni Berengo Gardin nell’anno del suo novantesimo compleanno e nella sua città d’adozione, Milano. Un progetto espositivo prodotto da Contrasto in collaborazione con Fondazione Forma per la Fotografia.

“Caro Gianni, Come in uno specchio… Quanto lontana sembra questa tua fotografia dall’enigma di Bergman.” Così Mimmo Paladino esordisce commentando l’immagine probabilmente più iconica del maestro della fotografia, In Vaporetto (Venezia, 1960). E, conclude, “è una fotografia che nella nebbia, con un sapiente gioco di specchi, cerca di catturare un raggio di sole”.

Attraverso un gioco di luci e ombre e di riflesso e rimando continuo tra l’occhio del fotografo e la realtà immortalata dalla sua Leica, le fotografie di Gianni Berengo Gardin hanno raccontato un’epoca, accompagnato e a volte costruito una visione.

In oltre sessant’anni di carriera, la vita del fotografo è stata caratterizzata anche da molti incontri, ed è proprio da questi che ha origine l’idea di questa mostra: ventiquattro protagonisti dell’arte e della cultura hanno scelto e commentato ciascuno una fotografia scelta nel suo immenso corpus fotografico. Si tratta di amici, intellettuali, colleghi, artisti, giornalisti, registi, architetti. I loro testi, accostati a ciascuna delle 24 foto selezionate, permettono ancor di più di ragionare sul valore di testimonianza sociale ed estetica delle immagini esposte.

I testi sono di registi come Marco Bellocchio, Alina Marazzi, Franco Maresco e Carlo Verdone, architetti come Stefano Boeri, Renzo Piano e Vittorio Gregotti, artisti come Mimmo Paladino, Alfredo Pirri, Jannis Kounellis; e poi di Lea Vergine e di Goffredo Fofi, del sociologo Domenico De Masi, di un giovane fotografo come Luca Nizzoli Toetti o di grandi maestri come Ferdinando Scianna e Sebastião Salgado, di scrittori come Maurizio Maggiani e Roberto Cotroneo, di giornalisti come Mario Calabresi, Michele Smargiassi e Giovanna Calvenzi, di Peppe Dell’Acqua, psichiatra dell’equipe di Franco Basaglia, di Marco Magnifico, vicepresidente del FAI e di una street artist come Alice Pasquini.

Accompagna l’esposizione il libro Vera fotografia pubblicato da Contrasto.

In occasione della mostra, nella Printroom a cura di Contrasto Galleria sarà esposta una selezione di stampe vintage e moderne di Gianni Berengo Gardin.

L’intera produzione e l’archivio di Gianni Berengo Gardin sono gestiti da Fondazione Forma per la Fotografia di Milano.

Gianni Berengo Gardin è nato a Santa Margherita Ligure nel 1930. Dopo essersi trasferito a Milano si è dedicato principalmente alla fotografia di reportage, all’indagine sociale, alla documentazione di architettura e alla descrizione ambientale. Nel 1979 ha iniziato la collaborazione con Renzo Piano, per il quale ha documentato le fasi di realizzazione dei progetti architettonici. Nel 1995 ha vinto il Leica Oskar Barnack Award. Gianni Berengo Gardin ha pubblicato oltre 250 volumi e le sue opere sono state organizzate in molte importanti mostre internazionali. Tra i diversi libri, con Contrasto ha pubblicato: Gianni Berengo Gardin (2005), Il libro dei libri (2014), Manicomi (2015), Venezia e le grandi navi (2015), Vera fotografia (2016), La più gioconda veduta del mondo (2019).

Gianni Berengo Gardin – COME IN UNO SPECCHIO. Fotografie con testi d’autore
Inaugurazione martedì 11 febbraio 2020 ore 18.30

Fino al 2 agosto 2020
Da giovedì a domenica dalle 11.00 alle 20.00
Lunedì, martedì e mercoledì chiuso

Costo del biglietto

Intero: 6 euro

Ridotto: 4 euro (under 26 e over 70, membri di AFIP International (Associazioni Fotografi Professionisti), Touring Club Italiano, FAI – Fondo Italiano Ambiente, Arci Milano, NoiSea, Officine Fotografiche, Librerie Feltrinelli. Dipendenti di Camera di Commercio Milano Monza Brianza Lodi, di Credit Suisse, di Borsa Italiana)

Gratuito: bambini fino ai 12 anni, portatori di handicap (escluso accompagnatore), giornalisti previa richiesta a stampa@formafoto.it

Prenotazione e acquisto online su:
ticket.midaticket.it/spazioforma

Vivian Maier a colori

VIVIAN MAIER. A COLORI

Prorogata fino a domenica 2 febbraio 2020

A cura di Alessandra Mauro

Senza dubbio, Vivian Maier può essere
considerata una delle prime poetesse della
contemporanea fotografia a colori.

Joel Meyerowitz

La mostra Vivian Maier. A colori arriva a Forma Meravigli, Milano, dal 24 ottobre 2019 al 19 gennaio 2020. La mostra è a cura di Alessandra Mauro, realizzata in collaborazione con la Howard Greenberg Gallery di New York. Forma Meravigli è una iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano e Contrasto.

Per la prima volta in mostra una selezione finora inedita di fotografie a colori della ormai celeberrima “tata fotografa”, molte delle quali inedite, che raccontano il quotidiano americano tra gli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. L’ironia, il calore umano, il paesaggio urbano, i ritratti, i bambini: Maier ha il dono di essere l’obiettivo invisibile per le strade di Chicago e New York, componendo un racconto che ha il carattere di una rivelazione.

Accompagna la mostra un libro pubblicato da Contrasto.

Acquista qui i biglietti in prevendita.

INFORMAZIONI
Biglietto: 5 euro
Ingresso gratuito per i bambini sotto i 12 anni e portatori di handicap

Visite guidate gruppi:
60 euro – per le scuole, da 15 a 30 partecipanti
85 euro – per i gruppi, da 15 a 30 partecipanti

Per prenotare le visite guidate scrivere una settimana prima della data richiesta a: contatti.visiteguidate@gmail.com

Visite guidate singoli (a partire da sabato 23 novembre):
Le visite guidate per singoli partecipanti alla mostra “Vivian Maier a colori” si tengono ogni sabato alle ore 15.00 e saranno condotte dalle nostre guide interne.

Costo: € 10,00
Compreso di visita guidata e biglietto di ingresso con salta fila.

Per prenotare è necessario inviare una mail a contatti.visiteguidate@gmail.com indicando la data e il numero dei partecipanti.

ORARI
Lun-mar: chiuso
Merc-dom: 11-20

Venerdì 1° novembre: dalle 11 alle 20
Domenica 8 dicembre: dalle 11 alle 20
Martedì 24 dicembre: dalle 11 alle 15
Mercoledì 25 dicembre: chiuso
Giovedì 26 dicembre: dalle 11 alle 20
Martedì 31 dicembre: dalle 11 alle 15
Mercoledì 1° gennaio: dalle 15 alle 20
Lunedì 6 gennaio: dalle 11 alle 20

Alessio Romenzi e Emanuele Satolli, Di Fronte a una guerra

DI FRONTE A UNA GUERRA

La battaglia di Mosul di Emanuele Satolli

Life, Still di Alessio Romenzi

I progetti dei vincitori del Premio Amilcare G. Ponchielli
2017-2018, promossi dal GRIN

A cura di Renata Ferri
Fino al 20 ottobre 2019

10 settembre 2019 ore 18.30
Inaugurazione della mostra e talk con gli autori e la giornalista e scrittrice Francesca Mannocchi

Venerdì 11 ottobre
ore 14.30 | Visita guidata della mostra
Evento presente del programma di Milano Gallery Weekend

Rovine di cemento e colonne di fumo disegnano il paesaggio della guerra più assurda e incomprensibile che
avremmo mai potuto immaginare: Mondo contro Stato Islamico.
Renata Ferri

Osservare la guerra oggi significa declinare una nuova grammatica dell’atto del guardare.
Porsi in una relazione intima tra chi guarda e il mondo guardato.
Tenere insieme la cronaca e la storia.
Francesca Mannocchi

Si inaugura martedì 10 settembre alle 18.30 a Forma Meravigli, Milano, la mostra Di fronte a una guerra che presenta i lavori dei due fotografi che hanno vinto le ultime edizioni del Premio Amilcare Ponchielli: “La battaglia di Mosul” di Emanuele Satolli (2017) e “Life; Still” di Alessio Romenzi (2018). L’esposizione promossa e organizzata dal GRIN (Gruppo Redattori Iconografici Nazionale), a cura di Renata Ferri, è a ingresso gratuito e resterà aperta fino al 20 ottobre 2019. Forma Meravigli è una iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano e Contrasto. Il Premio Amilcare G. Ponchielli, riservato a fotografi italiani o residenti in Italia, è stato creato dal GRIN nel 2004 e premia ogni anno un progetto fotografico pensato per la pubblicazione su un giornale, un sito web o di un libro.

Le fotografie di Satolli e Romenzi – simili per formazione ed esperienza, differenti per scelta linguistica e formale – che hanno documentato con profonda sensibilità e grande professionalità la guerra alla brama di un assurdo califfato del terzo millennio, la guerra dell’Isis. Un conflitto che ha cambiato per sempre l’immaginario dei conflitti contemporanei, imprimendo drammaticamente nei nostri occhi scene di apocalisse cinematografica colme di echi di guerre passate.

Emanuele Satolli, vincitore dell’edizione 2017, ha ricevuto il riconoscimento per il lavoro “La battaglia di Mosul”: una straordinaria documentazione della guerra che ha visto Mosul, seconda città più popolosa dell’Iraq, cadere nelle mani dello Stato Islamico nel giugno del 2014. Due anni dopo è iniziata la battaglia dell’esercito iracheno, affiancato dai curdi pashmerga e dalle forze speciali americane, per liberarla. Un anno di guerra che si è concluso il 10 luglio 2017 con un bilancio terrificante di migliaia di vittime civili, non a caso definito il più duro conflitto urbano dalla fine della Seconda guerra mondiale. Satolli durante questo periodo ha compiuto sei viaggi, spesso embedded con le forze irachene, alcuni su commissione di testate internazionali, altri come freelance. Il suo lavoro esposto è una sintesi di questo impegno, coraggioso e paziente, che trova negli sguardi degli innocenti la denuncia dell’orrore. Si avvicina ai prigionieri, catturati ovunque e ammassati sul selciato, segue le milizie per testimoniare le deflagrazioni, fotografa i soccorsi ai feriti, la fuga delle donne con i bambini in braccio.

Alessio Romenzi ha vinto l’ultima edizione del Premio Ponchielli con il lavoro “Life, Still”. Il teatro di guerra è lo stesso o meglio, è ancora più ampio, comprende la Libia, la Siria e l’Iraq. La battaglia si è appena conclusa e il nemico, l’Isis, forse è sconfitto. Romenzi realizza questa serie tra dicembre 2018 e aprile 2019. Abbandona la sua lunga e significativa esperienza di fotoreporter per una fotografia più lenta e riflessiva. Il corpo immobile, il cavalletto, il formato panoramico a dilatare la scena, la ricerca e l’attesa per la migliore inquadratura. Il fotografo non corre più tra i sibili dei proiettili e il fragore delle granate. Nel silenzio dell’apocalisse si guarda intorno. Davanti ai suoi occhi cumuli di macerie, Mosul, Raqqa e Sirte, città fantasma in cui piccole tracce di vita si manifestano con timore: un semaforo acceso, due ragazzi sullo scooter, un negozio di vernici circondato da edifici ridotti in polvere.

In collaborazione con il G.R.I.N (Gruppo Redattori Iconografici Nazionali)
www.photoeditors.it

Inaugurazione della mostra martedì 10 settembre 2019 ore 18.30

Seguirà un brindisi con il bianco “Ribellante”, un originale blend di Riesling, Chardonnay e Malvasia Toscana e il rosso “Cancellaia”, blend di Cabernet Sauvignon e Franc offerto dalla tenuta vinicola Pakravan- Papi.

In mostra fino al 20 ottobre
Da mercoledì a domenica dalle 11.00 alle 20.00
Lunedì e martedì chiuso
Ingresso gratuito

Forma Meravigli, via Meravigli 5

Forma Meravigli

SULLA BASE DI QUANTO PREVISTO DAL DECRETO DELLA PRESIDENZA DELCONSIGLIO DEI MINISTRI IN VIGORE DAL 5 NOVEMBRE 2020,GLI SPAZI DI FORMA MERAVIGLI SONO TEMPORANEAMENTEAL PUBBLICO FINO A NUOVE DISPOSIZIONI

LA PROSSIMA IMMAGINE

ResilientFotografie di Marco Gualazzini

ISTANTI DI LUOGHIFotografie di Ferdinando Scianna

John Berger e Jean Mohr

Il settimo uomo

Una narrazione di immagini e parole sull’esperienza dei lavoratori migranti in Europa

Gli americani di Robert Frank

Punto d’ombraFotografie di Teju Cole

VIVIAN MAIER

Una fotografa ritrovata

La vera Italia? Due inchieste di Pier Paolo Pasolini

La lunga strada di sabbia – Comizi d’amore

IL RACCONTO ONESTO

Scrittori e fotografi italiani narrano il presente

Alessandro Toscano Sardinian Postcards

Emiliano Mancuso Il diario di Felix

Tommaso Ausili La città bianca

Nicolò Degiorgis Hidden Islam

Giulio Piscitelli From there to Here

FORMA MERAVIGLI RIAPRE CON LA MOSTRA

GIANNI BERENGO GARDIN

COME IN UNO SPECCHIO

Fotografie con testi d’autore

Mercoledì 20 maggio 2020

FORMA MERAVIGLI

Via Meravigli 5, Milano

VIVIAN MAIER. A COLORI

Prorogata fino a domenica 2 febbraio 2020

A cura di Alessandra Mauro

DI FRONTE A UNA GUERRA

La battaglia di Mosul di Emanuele Satolli

Life, Still di Alessio Romenzi

SULLA BASE DI QUANTO PREVISTO DAL DECRETO DELLA PRESIDENZA DEL
CONSIGLIO DEI MINISTRI IN VIGORE DAL 5 NOVEMBRE 2020,
GLI SPAZI DI FORMA MERAVIGLI SONO TEMPORANEAMENTE
AL PUBBLICO FINO A NUOVE DISPOSIZIONI

Resilient
Fotografie di Marco Gualazzini

ISTANTI DI LUOGHI
Fotografie di Ferdinando Scianna

Una narrazione di immagini e parole sull’esperienza dei lavoratori
migranti in Europa

Punto d’ombra
Fotografie di Teju Cole

La vera Italia? Due inchieste
di Pier Paolo Pasolini